Русское народное творчество.

РУССКАЯ НАРОДНАЯ ИГРУШКА.

История народной игрушки начинается в глубокой древности. Она связана с творчеством народа, с народным искусством, с фольклором. Игрушка - одна из самых древнейших форм творчества, на протяжении веков она изменялась вместе со всей народной культурой, впитывая в себя ее национальные особенности и своеобразие.
Основным материалом для изготовления игрушек были глина и дерево, а начиная с первой половины 19 века - папье-маше. Мастерили также игрушки и из соломы, мха, еловых шишек, льна. Как глиняные, так и деревянные игрушки изготавливались во многих местах России. Можно указать наиболее важные центры: деревянную игрушку больше всего делали в Московской и Нижегородской губерниях, глиняную - в вятке, Туле, Каргополе. Многие из промыслов существуют и по сегодняшний день. Наиболее крупным центром деревянной игрушки издавна был Сергиев Посад с прилегающими к нему селениями. В игрушках Сергиева Посада преобладали жанровые изображения, фигурки барынь, гусаров, монахов. Очень интересными по форме и раскраске были "барыни-дуры" (как их называли сами кустари), 30-40 см. высотой, они вырезались из так называемого "трехгранника". Из одной его стороны получалась "спина", а две другие грани, сходящиеся на угол, обрабатывались мастером наподобие высокого рельефа.
Немногоцветная условная роспись создавала выразительный художественный образ. По сюжету и стилистически с "барынями" и "гусарами" связаны скульптурные миниатюрки - "китайская мелочь". Это крошечные, раскрашенные деревянные фигурки, величиной в 4-5 см., разнообразные и любопытные по своим сюжетам.

Другим центром игрушек, образовавшимся позже, в начале 18 века, была деревня Богородская, ставшая крупным промыслом деревянной игрушки. Богородская резьба и сейчас занимает значительное место в декоративном искусстве. Богородские мастера, передавая из поколения в поколение традиции своего искусства, создали игрушки своеобразные, неповторимые.

Прекрасно используя художественную выразительность фактуры и цвета дерева, мастера умело сочетают в игрушке гладкую обработку поверхности с неглубокими порезками и выемками, которыми они передают различные детали. Для богородских игрушек характерны сюжетные, групповые композиции, жанровые сцены, мастера часто используют сказочные и исторические темы. Многие игрушки делаются движущимися, что усиливает их выразительность.

Крупным центром производства деревянной и детской игрушки была и Нижегородская губерния, во многих ее районах - Городецком, Семеновском, Федосеевском - вырезались и расписывались игрушки. Основной сюжет городецких игрушек - лошади в упряжках. Лаконизм этих игрушек породил своеобразную стилизованность формы. Раскраска этих игрушек близка к раскраске детской мебели, сундуков, туесков, создавших славу городецкой росписи.

Особый интерес представляет собой дымковская игрушка, по названию слободы Дымково, близ города Кирова. Ассортимент дымковских игрушек чрезвычайно разнообразен: барыни, кормилицы, всадники, гусары, фантастические птицы и животные, многофигурные сюжетные композиции. Упрощенно-лаконичной пластике дымковских игрушек соответствует характер ее декоративной росписи, поражающей своей красочностью, оригинальностью.

Глиняные игрушки Воронежской, Тульской, Архангельской областей по внешнему виду отличаются друг от друга, но всем им присущи необыкновенная ясность и простота форм, красота и фантазия.

На лучших образцах народной игрушки учатся современные художники, учатся искать мудрость в простоте, учатся совершенному владению материалом.

ГОРОДЕЦКАЯ РОСПИСЬ

Городец — город в нижегородском Заволжье, на левом берегу Волги. Он принадлежит к числу древнейших русских городов–крепостей. Городец — родина самых разнообразных промыслов. Он славился резьбой по дереву («глухая» домовая резьба), изготовлением инкрустированных мореным дубом донец (дощечка, на которую садится пряха) прялок, городецкой росписью, резными пряничными досками.
Возникновение городецкой росписи связано с производством деревянных прялочных донец в деревнях, расположенных вблизи Городца. Производство донец способствовало зарождению оригинального местного живописного стиля.
Всадники, кареты, барыни, солдаты, кавалеры, собачки – вот пантеон образов, создаваемых при помощи более нигде не встречающейся техники и стиля резных городецких донец. К вставным фигуркам коней и людей из мореного дуба прирезались детали и сопутствующие мотивы – стволы и ветки деревьев, силуэты сидящих на них птиц. Композиционно поверхность инкрустированного донца разделялась на два-три яруса. В верхнем ярусе изображали двух всадников по сторонам цветущего древа с птицей на ветвях, при корнях древа изображали собачек. Второй ярус занимала орнаментальная полоса, в нижнем ярусе размещались жанровые сюжетные мотивы.
До сих пор живут в городецких росписях композиции с конями, всадниками, древом и собачками. Разнообразны фантазии на тему прогулок кавалеров и дам, но из традиционных мотивов прочно сохраняются кони. Образ коня олицетворяет представление о красоте и силе. В середине XIX века осуществляется переход от инкрустации донец к их росписи. Этот процесс начинается с подцветки резных донец. Мастера начинают оживлять цветом светлый тон древесины и вставки из черного дуба.
Более свободная техника росписи позволяла создавать новые сюжеты, учила красоте свободного живописного мазка, позволяющего писать без предварительного нанесения контура. У каждого мастера были свои любимые оттенки цвета и их сочетание. При этом они использовали общие приемы для создания грамотного колорита. Городецкие мастера умели создавать равновесие красочных пятен на поверхности предмета, достигая единства колорита и завершенности росписи. Время сложения городецкой росписи занимает около 50 лет. Складывается стиль этой росписи, рождается городецкий орнамент, в котором определяющими становятся крупные цветовые формы и пятна, скупые и лаконичные. Кроме донец расписывали детские каталки и стульчики. Близко к стилистике расписных донец стояли росписи мочесников – лубяных коробов, в которые складывали мотки пряжи. Писали свадебные сюжеты с конями, женихами, посиделками: «пряха и кавалер за беседой», «птица на дереве», «собака у дерева».
Период 1870-1900 гг., связанный с общим бурным развитием промысловой деятельности жителей лесного Заволжья знаменуется окончательным сложением стиля городецкой росписи.
После упадка, пережитого промыслами в начале XX века и почти полного прекращения их деятельности в Первую мировую войну, возрождение было делом сложным. 1930-е годы организуются общественные художественные мастерские.
В 1951 году учреждается промысловая столярно-мебельная и художественная артель в селе Курцеве, председателем которой избирают Аристарха Коновалова, потомственного мастера городецкой росписи. Его мать и дядя, дед и прадед работали в промысле.
C 1954 года начинается производство детской мебели с городецкой росписью. В 1957 году открывается класс городецкой росписи в Семеновской профтехшколе. Очень медленно расширяется ассортимент изготавливаемых вещей, появляется знаменитый городецкий конь-качалка, начинают возрождаться сюжетные росписи. В 1960 году артель была преобразована в фабрику «Городецкой росписи», а в декабре 1965 года курцевская фабрика объединилась с городецкой мебельной фабрикой в одно предприятие, получившее общее название «Городецкая роспись». В 1969 году на фабрике создается экспериментально-творческая лаборатория, в которой начинает работать Фаина Никифоровна Касатова, в 1970 году туда же приходят А.В. Соколова и Л.Ф. Беспалова, Н.А. Столесникова. Появляются прекрасные мастерицы Л.А. Кубаткина, Т.Н. Рукина, П.Ф. Сорина, Г.Н. Тимофеева, Н.Н. Носкова. Именно с работой экспериментальной лаборатории связаны поиски в области новых сюжетных композиций.
Выбор первых работ пал на темы и композиции застолий с чаепитием у самовара. Все поиски основывались первоначально на старательном следовании приемам старых мастеров. Одновременно шел поиск типа изделий, в росписи которых целесообразно помещать сюжеты. Эта работа велась при помощи Института художественной промышленности. Наиболее оригинальной работой этих лет стало прямоугольное панно Лилии Федоровны Беспаловой «Художественный совет». В этой композиции в схему традиционного городецкого застолья вместо посуды и самовара включены художественные изделия городчан. Под руководством художников лаборатории постепенно улучшается качество работы городецких мастериц, 60 из которых начинают работать в авторской группе. Они расписывают хлебницы, декоративные настенные тарелки, полочки с комплектами поставков или разделочных досок, пирожные доски, поставки, ларцы и др. Господствующий цвет городецких росписей или ярко-желтый хром или киноварь. Они обычно являются доминантой колорита, фоном всей росписи в целом; синий, зеленый и иногда «разбеленные» тона(розовый, голубой) используются для написания узора , черный и белый – для проработки деталей .

МОТИВЫ ГОРОДЕЦКОЙ РОСПИСИ.

Наиболее распространенными мотивами являются: цветы — розы, купавки с симметричными листьями, животные - конь, птица. Всадники, кареты, барыни, солдаты, кавалеры, собачки – традиционны для сюжетной Городецкой росписи.
КОМПОЗИЦИЯ. Существует три вида композиции в Городецкой росписи: цветочная роспись; цветочная роспись с включением мотива «конь» и «птица»; сюжетная роспись.
Такое деление является условным, так как сюжетная роспись не обходится без цветочных мотивов, она разнообразна по схемам построения. И даже если изделия с городецкой росписью выполнены на основе одной композиции, но в разной цветовой гамме, можно не сразу уловить сходство.

Цветочная роспись. Этот вид чаще всего используется, он наиболее прост в исполнении. В менее сложном варианте на работе может быть изображен один цветок с расходящимися от него листьями. В более сложном варианте, например, на боковых стенках часто изображают полосу из цветочного орнамента, а крышка декорируется цветами, вписанными в круг. На крышках хлебниц цветы располагают обычно прямоугольником или ромбом.В цветочном орнаменте можно выделить следующие наиболее распространенные типы орнамента: «Букет» - изображается симметрично. Обычно пишется на разделочных досках или блюдах. «Гирлянда»- это разновидность «букета», когда один или два крупных цветка располагаются в центре, от них в стороны расходятся более мелкие цветы с листьями. Они могут вписываться в круг, полосу, располагаться серповидно (на угловых заставках). Данный вид композиции цветочного орнамента чаще всего используется при росписи разделочных досок, хлебниц, шкатулок, блюд, детской мебели.

ЖОСТОВСКАЯ РОСПИСЬ

Жостовская роспись - древнее и потрясающе красивое ремесло. Отличие Жостово от других росписей - обилие красок, яркие и ни с чем несравнимые тона, реалистичность цветов и птиц и др. элементов. К сожалению со временем мы стали забывать наши традиционные росписи. Но с недавних пор, благодаря разным творческим студиям, которых становится все больше и больше, традиционные росписи набирают большую популярность. Люди хотят обучаться этому мастерству. Современная Жостовская роспись используется сейчас во всем, начиная от украшений и заканчивая росписью элементов интерьера. Это своеобразное и красивое ремесло украшает наш быт.

История Жостовской росписи

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Промысел расписных металлических подносов возник в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Невьянск, Верх-Нейвинск), и только в первой половине XIX века подносы стали изготавливать в деревнях Московской губернии — Жостове, Троицком, Новосельцеве и др. Скоро московский промысел стал ведущим. В настоящее время производство подносов с лаковой росписью сосредоточено в деревне Жостово Московской области и в Нижнем Тагиле. С первой половины XIX века мастерские по производству расписных подносов работали в нескольких деревнях Московской губернии: Осташкове, с. Троицком, Сорокине, Хлебникове и др. Жостовская фабрика ведет свое начало от мастерской (открытой в 1825 году) откупившихся на волю крестьян — братьев Вишняковых. В 1928 году несколько артелей, образованных на базе мастерских после революции, объединились в одну — «Металлоподнос» в деревне Жостово, которая в дальнейшем (1960 г.) была преобразована в Жостовскую фабрику декоративной росписи.

Техника Жостовской росписи

Изготавливаются подносы из обычного листового железа. Выкованные изделия грунтуют, шпаклюют, шлифуют и лакируют, что делает их поверхность безукоризненно ровной, затем расписывают масляными красками и покрывают сверху несколькими слоями прозрачного бесцветного лака. Наиболее важной операцией, требующей подлинного творчества, является роспись. Сюжеты росписи - цветочные и растительные орнаменты и бытовые сценки из народной жизни, пейзажи, сценки народных гуляний, свадеб и чаепитий. Самым распространённым видом жостовской росписи становится букет, расположенный в центре подноса и обрамлённый по борту мелким золотистым узором. В этом построении можно видеть определённое отражение композиции станкового натюрморта XIX века, заключённого в золочёную рамку. Но сам мотив получил более декоративное и условное истолкование, чем в станковых картинах. Он становится частью декоративной вещи, специальные приёмы позволяли мастерам органично вписать, как бы «вплавить» его в лакированную поверхность подноса. Букет превратился в нарядную группу цветов, свободно положенную на блестящий лаковый фон. Три-четыре крупных цветка (роза, тюльпан, георгин, а порой более скромные анютины глазки, вьюнки и т.п.) окружались россыпью более мелких цветочков и бутонов, связанных между собой гибкими стебельками и лёгкой «травкой», то есть небольшими веточками и листочками. Изображение словно рождалось из мерцающей глубины, растворяясь в ней прозрачными тенями и вспыхивая яркими букетами на поверхности. Чуть «утопленные» в фоне цветы казались лёгкими полуобъёмными, тактично данные ракурсы и повороты венчиков не прорывали зрительно плоскости предмета. Техника жостовской росписи как и сама роспись каждого подноса своеобразна и неповторима, ибо выполняется без каких бы то ни было образцов. За подкупающей лёгкостью и непринуждённым артистизмом письма, кроется огромное мастерство, выработанное поколениями талантливых в прошлом безвестных крестьянских художников. Пишут жостовские художники масляными красками, мягкими беличьими кисточками. Во время работы художник держит поднос на колене и, когда необходимо, поворачивает его. А рука с кистью опирается на деревянную планочку, лежащую поперёк подноса. Художник сначала лишь намечает будущую роспись, рисует свободно быстрыми и точными мазками. И даже повторяя рисунок, мастер импровизирует, добавляет что-то новое.

Выполняется роспись в 4 этапа:

1. Начинается с «замалёвки», разбеленными красками намечается общий силуэт изображения, расположение основных пятен. Замалёванные подносы сушатся в печах в течение нескольких часов.

2. Следующими этапами, «тенежкой» и «прокладкой», строятся формы цветов и листьев; сначала наносятся прозрачные тени, затем плотными яркими красками «прокладываются» светлые места росписи.

3. После этого следует «бликовка», то есть нанесение белильных мазков, уточняющих все объёмы.

4. Завершается роспись изящной графикой «чертёжки» и «привязки». Упругие линии «чертёжки» легко обегают по контуру лепестки и листья, выразительно подчёркивая по контрасту их сочную живопись. Мелкие веточки, не случайно называемые «привязкой», смягчают переход к фону. Эти сложившиеся в промысле традиционные приёмы каждый мастер использует по-своему, творчески обыгрывая декоративные возможности кистевого письма (например «бликовка» может мягко «сплавляться» с «прокладкой», а может чётко выделяться на ней).

В результате появляются бесконечные варианты сходных мотивов и образов, но никогда не увидеть среди них буквальных копий или повторений. Так что каждый поднос-это уникальная авторская работа. Иногда живопись светится особым мерцающим светом. Это мастер использовал в картине перламутровые фрагменты, накладывая их прямо на поднос. Ярко выразительны средства искусства Жостово. Ему присущи своя художественная система, живописные приёмы и самобытный стиль, сложившиеся из сплава орнаментальных народных росписей и освоенного народными мастерами реалистического живописного натюрморта. Искусство Жостово основано на выработанных поколениями приёмах письма, без которых его артистичное мастерство было бы невозможно. Оно рождается в самом процессе своеобразной живописи-росписи, сочетающей строгую последовательность и отточенность ремесленных приёмов с импровизационностью творчества. Обаяние искусства Жостово в искренности, непосредственности его содержания и выразительных средств. Оно демократично во всех своих проявлениях, для его восприятия не нужно специальных знаний и подготовки. Садовые и полевые цветы - как реальные, так и рождённые фантазией художника, собранные в букеты и раскинувшиеся венками и гирляндами - эта тема находит живой отклик у каждого человека, пробуждает чувство прекрасного.

Работы в технике Жостовской росписи

Сегодня декоративная живопись находится на подъеме. Это не означает, что в жизни промысла нет сложностей и проблем. Они существуют во всех сферах нашей культуры, которой приходится противостоять современной безоглядной коммерциализации. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. Коллектив, работающий в промысле, обладает высочайшим профессионализмом, достигнутым многолетним упорным трудом и творческими поисками, совершенствованием мастерства и постоянной ориентацией на лучшие образцы из наследия старых мастеров. К этому надо добавить изучение истории искусства, классического натюрморта и разных видов русского прикладного и народного искусства, пополняющих "творческую копилку" мастеров.

ХОХЛОМСКИЕ УЗОРЫ.

Золотая хохлома – один из старинных самобытных русских народных промыслов, на протяжении веков формирующий быт и жизненный уклад целых поколений и являющийся неотъемлемой частью российской культуры.

"Хохлома" - старинное местное слово, связанное с языком проживавших на территории Заволжья финно-угорских народов. Имя Хохлома было дано протекающей здесь реке, на которой возникла деревня - тоже Хохлома, разросшаяся еще к XVI веку в крупное торговое поселение. В течение нескольких столетий ремесленники, родившиеся в окрестных деревнях, свозили сюда для продажи изготовляемую ими расписную деревянную посуду и ложки, которые также стали называть хохломой.

Искусство хохломы возникло и развивалось в лесах Заволжья, в массовом местном промысле, изготовлявшем деревянную токарную посуду и ложки, впитывая в себя драгоценное наследие художественной культуры Древней Руси и вековой трудовой и творческий опыт множества талантливых мастеров народных ремесел. От одного поколения художников к другому в промысле передается уникальная технология окраски дерева в золотой цвет без применения золота, известная еще иконописцам Древней Руси и приспособленная местными самобытными изобретателями к декорировке деревянной посуды. Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной привозимого олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри. Так, села Хохлома, Скоробогатово и около 80 селений по рекам Узоле и Керженцу работали на Троице-Сергиев монастырь. Из документов монастыря видно, что крестьяне этих сел вызывались для работы в мастерских Лавры, где могли познакомиться с производством праздничных чаш и ковшей. Не случайно, что именно хохломские и скоробогатовские села и деревни стали родиной оригинальной росписи посуды, так похожей на драгоценную.

Так, начиная с XVII века, на всю Россию славилась расписная деревянная посуда заволжских мастеров. «Парадная» посуда изготавливалась по особым заказам небольшими партиями из разных пород дерева, разных форм и художественной отделки, и предназначалась для дарения именитым гостям и иностранным послам.

Искусство хохломы - это не только красиво выполненная роспись, но и умение создавать выразительную форму изделия, знание сложной технологии обработки дерева. И немногие знают, сколько труда и терпения, сноровки и истинного вдохновения требует людей разных специальностей этот сложный процесс.

Хохломской рисунок еще характерен тем, что на черном, золотистом или красном фоне создавался лиственно-ягодный, так называемый травный, орнамент – изображения земляники, малины, ежевики, крыжовника, смородины, рябины и т.п. – выполненный сочетаниями красного и золотистого, красного и черного или же золотистого и черного цветов.

В современной хохломской росписи сохраняется стиль и колорит традиционного орнамента, «верхового» и «фонового», но цветовая гамма - расширена. Кроме черного, красного и золотого цвета - традиционного триколора, пришедшего из иконописи, используются зеленый и желтый, оранжевый и коричневый цвета. Символом хохломской росписи стала огненная жар-птица, украшенная яркими цветами. Столицей золотой хохломы по праву считается город Семенов, расположенный в Нижнегородской области.

Сегодня Семенов это развитый туристический центр в котором проводиться фестиваль «Золотая хохлома - душа России». Здесь есть что посмотреть. Туристы могут посетить музейно-туристический центр «Золотая Хохлома» или фабрику «Хохломская роспись», чтобы пройтись по ее цехам, увидеть, как рождается и расписывается деревянная ложка, панно, матрешка, красивая посуда, мебель. Гостям нашего города предоставляется возможность приобрести уникальные изделия народных промыслов. Так семеновская хохлома стала для всего мира визитной карточкой города. Это действительно душа России.

ГЖЕЛЬСКОЕ ИСКУСТВО.

Первое упоминание Гжели в исторических документах ( "Духовная грамота" Ивана Калиты ).XVI век. В завещании царя Ивана IV "Грозного" Гжель значится среди "государевых дворцовых волостей". XVII век. В 1663 году царь Алексей Михайлович издает указ "во гжельских волостях для аптекарских и алхимических сосудов приискать глины".
В 1710 году Гжельская волость целиком приписывается к аптекарскому приказу "для дела алхимической посуды" и к концу века состоит из 16 деревень, где находится 681 двор и живет 4542 человека. Начало XIX века.
Продукция Гжели именуется "палевой и цветной посудой", "лучшею из всех делаемых в России сего рода посуд", а сама Гжельская волость "весьма славной".

Уже в эпоху Петра I делались попытки организовать в России производство художественной керамики, но результаты их дали себя знать лишь в середине XVIII в.
Честь создания русского художественного фаянса принадлежит московскому купцу Афанасию Гребенщикову, который на своем заводе впервые в России в 1747 году освоил выпуск тонкой майолики или ценины, как ее тогда называли. Майоликовые изделия имели толстый цветной черепок, покрытый белой эмалью; большая часть их оставалась без росписи. Славу же гребенщиковской посуды составили именно те изделия, которые несли на своей чуть голубоватой поверхности прекрасные синие рисунки. Формы их были выдержаны в стиле барокко и заимствовались с фарфоровой и серебряной посуды, а роспись ориентировалась на образцы модного дельфтского фаянса из Голландии, который становился эстетическим идеалом своего времени. Преобладали орнаментальные мотивы, исполненные синей краской, каждый из которых был не копией, а вариантом "противу заморского образца". Они составлялись из элементов, характерных для росписей эпохи: рокайльных завитков, стилизованных корзин с цветами, мотивов раковины, каемок с диагональными пересечениями. Орнаменты покрывали крупные суповые чаши(терины), блюда, лотки, на каждом предмете имея оригинальную трактовку, в основе которой лежал принцип крупного декоративного пятна на светлом фоне.
Другой характерный принцип декорирования гребенщиковской посуды - белый кружевной узор на голубоватом фоне с геометрическими элементами и элементами корзиночного плетения. Не все изделия завода Гребенщикова имеют равноценное художественное значение: одни из них - высокие образцы майолики, созданные подлинными мастерами, другие выдают руку начинающего мастера. Первые делались на заказ, использовались при императорском дворе, в казенных учреждениях или в домах аристократии ( например, суповая миска с гербом известного писателя и театрального деятеля П. А. Сумарокова ), вторые шли в продажу. Завод Гребенщикова оказал влияние на все дальнейшее развитие русской художественной керамики. В частности, огромное значение имел опыт этого завода для крупнейшего гончарного района России - Гжели.
В истории русской керамики Гжель занимает особое место не только потому, что именно она стала центром народного керамического искусства, но и в силу того, что снабжала многие заводы глиной, поставляла превосходные кадры гончаров; они, в свою очередь, несли глубокие традиции гончарного искусства в другие места: гжельские крестьяне повсеместно основывали керамические предприятия. С гжельской майолики XVIII в. и начинается история развития народной художественной керамики в России. Вслед майолике в XIX веке началось изготовление полуфаянса, фарфора и фаянса. Всего за 50 лет Гжель освоила все основные виды художественных изделий из глины.
Наиболее яркие страницы этой истории приходятся на вторую половину XVIII в., когда в Гжели, расположенной в 50 верстах от Москвы, почти все население 30 деревень стало изготовлять майолику. По своеобразию и мастерству исполнения наиболее интересны кумганы и квасники, для которых характерна специфическая, многократно варьируемая форма. Дисковидное набухшее тулово с хоботообразным носиком устанавливалось на львиные лапы и увенчивалось двучастной шейкой с крышкой. У квасников в середине тулова-диска - отверстие. Неповторимую прелесть придают гжельским кумганам и квасникам скульптурные фигурки, размещавшиеся то на "плече" дисковидных сосудов, то на самой поверхности их: изображения мужчин с музыкальными инструментами, женщин, читающих книги, мамок с детьми; иногда из фигурок составлялись жанровые сценки охоты, войны и т. п. Такого рода сосуды служили украшением праздничного стола, наполнялись брагой, пивом и фруктовыми квасами. Большой интерес представляет и роспись на гжельских майоликовых изделиях, не претендующая на изысканность, выполненная в манере, близкой лубку. Она отличается мастерством композиции и цветовой гармонией. Каждая картинка - плод творчества гончара, человека зачастую неграмотного, но с чутьем художника, позволяющем объединить в своем творчестве наблюдения над природой, городской и деревенской жизнью, впечатления от других видов искусства и плоды собственной фантазии. Уверенной рукой на необожженную эмаль наносился коричневый контур, который внутри заполнялся зеленой, синей, коричневой и желтой краской. Архитектурные мотивы, животный и растительный мир нашли, главным образом, отражение в гжельских рисунках, иногда человеческие фигуры, но более всего - птицы, столь любимые народным искусством. Они изображались в разных позах: стоящими, сидящими, порхающими, клюющими, устроившимися на ветвях, оглядывающимися назад.
Еще одну черту, присущую народному искусству, унаследовала гжельская майолика - сопровождать изображение надписями о времени изготовления сосуда, именах мастера или владельца. Благодаря гжельским сосудам мы знаем таких мастеров Гжели XVIII в., как Никифор Семенович Гусятников, Иван Никифорович Срослай, Иван Иванович Кокун.
Особую область гжельской майолики составляет скульптура. Она столь же своеобразна, как и посуда, необычайно жизненна, мастерски, с остроумно найденными решениями выполнена. Образы, взятые из реального быта своего времени, привлекают не только художественным мастерством исполнения, но и высокой степенью обобщения.
Гжельская майоликовая мелкая пластика способствовала в дальнейшем пробуждению интереса к этой области декоративно-прикладного искусства и появлению множества фарфоровых фигурок и композиций не только на гжельских, но и других русских фарфоровых заводах. В XIX в. получили распространение еще два вида художественной керамики - полуфаянс ( его создавали только в Гжели ) и тонкий фаянс.
Искусство полуфаянса явилось прямым продолжением гжельской майолики. Остался почти без изменений ассортимент изделий ( кувшины, кумганы, квасники, рукомои, чернильницы, солоницы ), сохранялась прежняя архитектура форм, столь же бережное отношение к декору и его связи с формой. Но полуфаянс отличался от майолики технологически, родился в другое время, и потому его художественный образ стал иным.
Изделия из полуфаянса имели белый черепок, однако он все еще оставался толстым, его расписывали после обжига синей краской и поливали прозрачной глазурью. Сочетание белого черепка с синей росписью, которая носила почти исключительно орнаментальный характер с преобладанием растительных форм, составляет специфику полуфаянса.
Благородное сочетание синей краски и белого фона знали и использовали с давних пор: в китайском фарфоре, дельфтском фаянсе, английском тонком фаянсе. Однако по образному содержанию, композиционному строю, характеру мазка, месту, которое занимали на сосуде, гжельские синие росписи на белом фоне полуфаянсового черепка совершенно самостоятельное явление в керамике.
XIX век принес бурное развитие фаянсовой промышленности, развивавшейся параллельно с производством полуфаянса в Гжели. Изменилась технология фаянсового производства, иным стал художественный образ нового керамического материала. В отличие от майолики и полуфаянса, фаянс имел тонкий, белый, легкий черепок, покрытый прозрачной глазурью. Он шел на изготовление, главным образом, столовой посуды. Чрезвычайно разнообразны способы его декорирования: цветные поливы по гладкой или рельефной поверхности, подкрашивание массы, кистевая роспись красками и люстром. Однако самое широкое распространение получил способ переводной печати, изобретенный в Англии специально для этого вида керамики. Он оказался наиболее экономичным, что было чрезвычайно важно для художественной промышленности.
В советское время основное место стало принадлежать тонкому фаянсу. Полуфаянс нашел продолжение в другом керамическом материале - он вдохновил советских художников на создание гжельского фарфора, сохранившего традиции полуфаянса и, в определенной мере, его художественный образ.

После полуфаянса настал фарфоровый период в производстве Гжели. К концу XIX века гжельским умельцам удалось добиться неординарных художественных и технологических высот при изготовлении посуды. Тончайший фаянс и белоснежный фарфор не только радовали глаз, но и были очень прочными.

После революционных событий 1917 года все гжельские заводы были национализированы и пребывали в запустении вплоть до середины XX века.

Сегодня искусство гжели вновь возродилось, и даже более того, получило мощный толчок в развитии благодаря новым современным технологиям.