Педагог по ИЗО Бучина Татьяна Павловна ГОУ школа- интернат №6 Красногвардейского района Импрессионисты и дети. Ипрессионизм-одно из самых красивых явлений в истории искусства. Импрессионизм возник во Франции, когда группа художников — К. Моне, К. Писсарро, А. Сис-лей, Э. Дега, О. Ренуар и другие — выступила со своими оригинальными картинами на парижских выставках 70-х гг. Их искусство резко отличалось от приглаженных и безликих работ тогдашних живописцев-академистов: импрессионисты вышли из стен мастерских на вольный воздух, научились воспроизводить игру живых красок природы, сверкание солнечных лучей, разноцветные блики на подвижной речной глади, пестроту праздничной толпы. Живописцы применяли особую технику беглых пятен-мазков, которые вблизи казались беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное ощущение живой игры красок, причудливых переливов света. Свежесть мгновенного впечатления сочеталась в их полотнах с тонкостью и изысканностью психологических настроений. Коллекции импрессионистов и постимпрессинистов в Петербурге- "Эрмитаж" и в Москве "Пушкинский музей" вполне справедливо считается одними из лучших в мире. Только нью-йоркский Метрополитен и музей Орсе могут похвастать сопоставимыми собраниями. При этом многие картины, считающиеся лучшими в творчестве некоторых художников, находятся именно в Москве — будь то «Портрет Жанны Самари» Ренуара или «Голубые танцовщицы» Дега. Коллекция Пушкинского музея и коллекции Эрмитажа обязаны своим появлением двум известным меценатам, Сергею Щукину и Ивану Морозову, которые фанатично любили искусство и начали собирать картины импрессионистов и постимпрессионистов еще до того, как они стали популярны и любимы во всем мире. Сейчас эта часть собрания выставлена в отдельном здании — в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков. Экскурсию с детьми в художественный мир импрессионистов имеет смысл начать еще по дороге в музей — разглядывая различные предметы и обсуждая, какого они цвета. Казалось бы, странная идея — спрашивать у вполне взрослого человека (заканчивающего детский сад или даже начавшего учиться в школе), какого цвета, например, вода в лужах, земля, деревья или проезжающие мимо машины. Но помочь им увидеть, что при различном освещении одни и те же вещи выглядят совершенно по-разному, — очень важно для того, чтобы рассказывать о художниках, которые и писали свет, пытаясь с помощью живописи передать сиюминутные впечатления от окружающего мира. Можно рассказать детям и о том, что 140 лет назад во Франции художники, окончившие академию, рисовали согласно определенным традициям, «как надо», не принимая отступлений от установленных правил и не допуская экспериментов. Но в 70-е годы XIX века появились молодые художники, которые предложили совершенно новый взгляд на живопись: писать не то, что считалось «правильным», а то и так, как они видят. В те времена главным событием в парижской художественной жизни был Салон — официальная ежегодная выставка Академии изящных искусств, участие в которой было обязательным для всех художников, желавших получить известность. Отбор произведений осуществлялся специальным жюри. Неудивительно, что художникам-экспериментаторам не удавалось пройти этот отбор, и, в конце концов, они договорились со знаменитым парижским фотографом Надаром и в апреле 1874 года открыли выставку в его ателье. Эта экспозиция осталась в истории как Первая выставка импрессионистов (а всего их прошло восемь Картины, представленные на выставке, были встречены очень настороженно. Рассказывают, будто один из посетителей подошел к Моне и попросил его объяснить, что это за неисчислимые черные отслаивающиеся выступы в нижней части картины. «Это — прогуливающиеся люди», — ответил Моне. «Что? Я так выгляжу, когда я прогуливаюсь по бульвару Капуцинок?! — воскликнул любитель искусства. — Вы что, смеетесь надо мной?.. Это неслыханно, ужасно! Я наверняка сойду с ума от такой живописи». Но, к счастью, далеко не все посетители той, самой первой, выставки так резко отнеслись к произведениям молодых художников, которых стали называть «импрессионистами». Ведь художники говорили о том, что они пытаются изобразить свои впечатления, а «впечатление» по-фран. Многим зрителям было непонятно, зачем художники-экспериментаторы отказываются от четкого рисунка, заменяя его мелкими мазками. Предшественники импрессионистов в поисках нужного цвета смешивали краски на палитре, а художники-новаторы накладывали мазки разных цветов прямо на холст, считая, что две положенные рядом краски усиливают друг друга, создавая удивительный живописный эффект. Более того, импрессионисты впервые в истории отказались от черного цвета, и даже тени, падающие на землю, на их картинах были цветными. Предложите ребятам любопытный эксперимент — пусть они посмотрят на картину Писсарро или Сислея с близкого расстояния, а затем постепенно отходят, наблюдая, как россыпь мелких мазков, фактически цветных точек, превращается в пейзаж удивительной красот. Важно рассказать детям, что на протяжении многих столетий художники работали в мастерских. Импрессионисты одними из первых стали писать картины на улице (правильно говорить — «на пленэре»), чтобы наилучшим образом поймать впечатление от увиденного (вот оно — impression!). Это стало возможно во многом благодаря изобретению металлических тюбиков для красок, которые можно было носить с собой и закрывать, чтобы краска не высыхала. Выходя на улицу, художники писали не только виды природы, их интересовали и сценки из повседневной жизни обычных людей. К таким картинам относится и работа Пьера Огюста Ренуара «Купание на Сене. «Лягушатником» называлось известное кафе, где любили собираться художники, устроенное на воде на пришвартованном к берегу Сены понтоне. Прелестный уголок, с атмосферой беззаботности и счастья, подробно описанный выдающимися литераторами того времени — братьями Гонкур, Золя, Мопассаном. Часто туда приходил и Пьер Огюст Ренуар вместе со своим другом Клодом Моне. Конечно же, они там не только отдыхали, но и писали картины. Известно несколько работ Ренуара на эту тему, одна из них находится в Пушкинском музее. Вот что интересно: хотя и Моне, и Ренуар писали это кафе практически с одной и той же точки, Моне больше интересовался пейзажем и природой, а Ренуар — изображением людей: его герои, их наряды написаны более тщательно. Пьер Огюст Ренуар получил известность как автор замечательных женских и детских портретов.. Портрет Жанны Самари из собрания ГМИИ по праву считается одним из лучших портретов, когда-либо написанных Ренуаром. Но, показывая его детям, можно столкнуться с некоторыми трудностями: с одной стороны, это действительно одна из наиболее значимых и известных картин коллекции, с другой — непросто объяснить ребятам (особенно мальчикам), почему именно эта небольшая работа ценна и интересна. В то же время портрет настолько нежный и теплый, что завоевывает расположение зрителей любого возраста. Любопытно вместе с детьми внимательно рассмотреть цвета этой картины и попытаться понять, какими красками пользовался художник. Эта задача не так уж проста: например, постарайтесь разгадать, сколько оттенков зеленого использует Ренуар, изображая платье, из каких цветов складывается, казалось бы, обычный розовый фон, посмотрите, как мелкие мазки совершенно поразительным образом сплетаются в рисунок. Один из самых известных художников-импрессионистов — Эдгар Дега. Его любимыми моделями были балерины, а самая узнаваемая его картина — «Голубые танцовшицы Несмотря на то что она называется именно «Танцовщицы», у зрителя может сложиться впечатление, что на картине не несколько девушек, готовящихся за кулисами к исполнению своей партии, а одна и та же балерина, изображенная в разных ракурсах: вот она завязывает пуант, потом поправляет платье, осматривает свой костюм, держась за край декораций. Обратите внимание детей, что самые простые и естественные движения на картине превращаются в прекрасный танец, художнику каким-то чудом удается передать магию театра. В отличие от остальных картин, которые вы увидите во время этой музейной прогулки, «Голубые танцовщицы» написаны не красками, это — пастель (масляные или восковые мелки). Такой материал позволяет художнику работать очень быстро, нанося яркие штрихи, а потом растушевывая (растирая) их пальцами или кистью, что позволяет добиться интересных цветовых эффектов. Пастель известна уже очень давно — с XVI века, но долгое время художники пользовались ей для зарисовок, эскизов. Дега стал одним из первых мастеров, создававших с помощью пастели большие, законченные картины, превосходящие по размеру произведения других художников. Иногда, чтобы получить поверхность нужного ему размера, он даже сшивал вместе несколько листов. Время от времени Дега добавлял мазки масляными или акварельными красками. Одним из открытий художника стала обработка картины паром, после чего пастель размягчалась и ее легче было растушевывать кистью или пальцами. Внимание юных посетителей ГМИИ почти всегда привлекает картина Поля Сезанна «Пьеро и Арлекин». Об этой работе можно рассказать такую историю. К художнику обратился один коллекционер с просьбой написать серию картин, героями которых стали бы персонажи итальянской комедии. Сезанн поначалу взялся за этот заказ, но потом почему-то от него отказался, и единственной памятью об этом его опыте остается картина «Пьеро и Арлекин». Над каждым своим полотном художник работал очень долго, заставляя часами стоять в полной неподвижности тех, кто ему позировал, при этом далеко не всегда это были профессиональные модели. Для картины Сезанн нарядил в костюм Арлекина собственного сына, а роль Пьеро «исполнил» его приятель. Когда искусствоведы изучали полотно с помощью специальной техники, которая позволяет проследить все этапы работы художника — от первых набросков до законченного произведения, — стало понятно, что композиция несколько раз менялась. Если поза Пьеро была придумана с самого начала, то Арлекин менялся на протяжении работы над картиной. Это можно увидеть, даже не прибегая к помощи хитрого оборудования: присмотритесь, ступни Арлекина в узких черных туфлях поставлены одна за другой, край туфельки упирается прямо в нижнюю часть рамы, причем можно заметить складку, идущую в нижней части холста, которая свидетельствует, что он был отогнут ради того, чтобы изменить первоначальный формат картины. В конце XIX века стили и направления в живописи стремительно менялись, идеи импрессионистов развивались, на смену им пришли художники, которых стали называть постимпрессионистами. Можно, конечно, рассказать детям о том, что их живопись более условна, более декоративна, обратить внимание на открытые, яркие цвета. Но так как речь об этой живописи пойдет уже в самом конце посещения, когда все уже перенасыщены впечатлениями, да и просто утомлены, расскажите об одном из самых известных постимпрессионистов — Поле Гогене, человеке, который настолько любил искусство, что ради него изменил всю свою жизнь. Чем только Поль Гоген не занимался на протяжении всей своей жизни. Он был моряком, бизнесменом, работал на бирже… Но бизнес ему особой радости не приносил, хотя дела Гогена шли успешно. В свободное время он сам с удовольствием занимался живописью и общался с другими художниками. Однажды к нему в мастерскую пришел один художник и стал хвалить его картины. Гоген растерялся, покраснел и промямлил, что он всего лишь любитель. «О, нет! — ответил художник. — Любители — это те, кто пишет плохие картины». В какой-то момент Поль Гоген понял, что больше всего на свете ему нравится писать картины, оставил свой бизнес и полностью посвятил себя искусству. Он много путешествовал и, в конце концов, уехал на остров Таити, где прожил до конца жизни, создавая удивительные, яркие и солнечные полотна. Гоген не был известен, практически не выставлялся, а настоящая слава пришла к нему уже после смерти. Но он занимался любимым делом — и поэтому был счастлив. Картина «Сбор плодов» — это своеобразный живописный гимн жизни, солнцу и свободе. Историки искусства склонны видеть в этой картине множество зашифрованных символов и аллегорий: к примеру, говорят о том, что ярко-желтое небо напоминает золотой фон икон или мозаичных композиций. Но для знакомства детям достаточно запомнить, что Гоген стал первым европейским живописцем, который начал использовать в своем творчестве традиции примитивного искусства, а его работы оказали огромное влияние на искусство ХХ века. Знакомство детей с импрессионизмом стимулирует их творческую фантазию и воспитывет умение видеть и переживать красоту мира.